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當拍照片的時候，試著這樣思考：像個畫家一樣來進行創作。繪畫是一個疊加的過程：畫家將繪畫疊加到畫布上，而攝影基本上是減法：攝影師通過仔細的構圖和裁剪，從場景中減去不需要的或分散注意力的元素，以創造場景的視覺或印象。

　　這里還有一些關于畫家的事情：他們有選擇地思考，有選擇地控制繪畫中的亮度、陰影和高光、對比度、顏色、銳度等等——精確控制繪畫中的每一寸。畫家們還預先設想了最終的結果，通常是從一種媒介（油畫、粉彩等）開始，這種媒介將傳達他們的創造性視覺。他們使用通常所說的，以及安塞爾亞當斯所說的“創造性的視覺化”多蘿西婭·蘭格（Dorothea Lange）分享了另一個想法：“相機是一種教人們不用相機如何看東西的工具。”

　　當攝影師像畫家一樣思考的時候，像畫家一樣拍攝和處理圖像時，圖像會看起來更具創造性和藝術性。在這里，創造性的形象化也是關鍵。是的，我們希望獲得最佳的圖像效果，但是有了Photoshop、Lightroom和其他成像程序和插件，我們還有一個額外的好處，就是能夠控制文件中的每一個像素，并在數字文件中添加繪畫效果。

戴珍珠耳環的少女，左：Johannes Vermeer，右：Rick Sammon（本文作者）

　　無論作為攝影師、畫家和插圖畫家，我們捕捉和塑造光線的能力是構成圖像的關鍵要素之一。例如，去博物館學習繪畫大師、素描大師和雕刻家，可以學到更多關于光的運用方法。例如，文藝復興時期的肖像畫家達·芬奇，用高光和陰影來強調角度和豐滿度，塑造出逼真的解剖結構。

　　通過觀察這些細節，你可以更好地理解每一位藝術家是如何感知光及其與主體的關系的，而光是你所拍攝或將要拍攝的每一張照片中的主要元素。當看到光對物體的影響時，它會轉移到你的照片上，這里也有六件值得注意的事情：

·判斷場景中的對比度，以考慮是否需要用HDR、閃光燈等對光比進行補償（壓縮場景的對比度范圍）；

·光線的方向，這樣你就可以看到陰影落在哪里，光線反射在哪里；

·光線的軟與硬；

·光線的顏色，用于表現溫暖或冷調的照片；

·光線的移動（如在水波紋的反射或道路上車輛的燈光），因此可以選擇不同的快門速度來凝固或模糊這些光影；

·光影在場景中的情感效果，以及創建戲劇性或神秘的情緒。